ENSAYO Nº7 -sobre la música clásica y la música del siglo XX-

 

ENSAYO Nº7

 

-Sobre la MÚSICA CLÁSICA

-Sobre la MÚSICA DEL SIGLO XX

 

 

CLÁSICOS: HAYDN, MOZART y BEETHOVEN

 

Entre 1750 y 1820, compositores como Hydn, Mozart y Beethoven desarrollaron un nuevo estilo musical, cuyas premisas (que en términos muy generales podrían ser claridad, moderación y equilibrio) fueron el espejo de los valores artísticos e intelectuales de la època.

 

LA ILUSTRACIÓN

 

Los ideales de la Ilustración influyeron en el cambio de los valores estéticos, así como la elegancia del arte y arquitectura griegos y romanos antiguos despertaron interés popular (causado en parte por el descubrimiento de las ruinas de Pompeya en 1748). Fue un período de grandes cambios sociales y políticos de la revolución industrial y la colonización, y del surgimiento de una clase media ``consumidora´´ de arte…-

 

NAPOLEÓN

 

Gracias a las guerras napoleónicas gran parte de la aristocracia europea se vió económicamente afectada, haciendo que los artistas DEJEN DE SER MANTENIDOS, razón por la cual éstos ahora deben salir a mostrar sus obras AL PÚBLICO en general -lo cual no es un detalle menor ya que ahora sería el pueblo quien debería ser seducido por la música y no sólo el rey…y para ese fin serán clave los temas ``pegadizos´´ y fáciles para recordar-

 

PERÍODO CLÁSICO

 

El llamado ``perído clásico´´ va más o menos, desde la muerte de los últimos grandes maestros del barroco hasta el final de la era beethoveniana. Tanto su comienzo como su final están relacionados inextricablemente con otras corrientes. En su inicio con el Rococó, última expresión, juguetona y exquisita del Barroco, y en su final con el primer período del Romanticismo; ambos dejaron inconfundibles señales en el Clasicismo y de igual manera, ambas influencias se perciben en la música del período.

 

ESCUELA DE VIENA

 

Debido al gran número de compositores austríacos (F. J. Haydn, J. Albrechtsberger, K. D. Von Dittersdorf, F. X. Süssmayr, W. A. Mozart, etc.) que ocuparon puestos muy importantes en la era clásica y al papel escencial de Viena, capital que representaba la mejor música del momento, el período clásico también es conocido como el período vienés o escuela vienesa (aunque su estilo no se practicase solamente en Austria).

 

LAS LLAMADAS ``ESCUELAS´´:

 

Escuela de Viena (Compositores de Austria)Escuela de Manhheim (Compositores de Alemania)Escuela Italiana (Compositores de Italia)

 

TÉRMINO ``CLÁSICO´´

 

La palabra ``clásico´´ es bastante ambigua, pero como se ha convertido en un término corriente y como el período suele ser conocido e identificado por la misma, la emplearemos para definir a un estilo que se caracteriza por un delicado sentido de claridad de la forma, un equilibrio de medios de expresión y contenido, un pensamiento disciplinado y ausencia de cualquier efecto vulgar o sensacionalista, y en especial, el aumento de importancia del contenido emocional (que haría su aparición explosiva en la época siguiente).

 

EL GERMEN PRE-CLÁSICO

 

Compositores como C. P. E. Bach, J. Quantz y B. Galuppi fueron precursores del clasicismo. Sus obras son la reacción contra la complejidad barroca, con sus complicadas polifonías, contrapuntos y melodías ornamentadas. Los nuevos compositores buscaban un estilo con una melodía simple acompañada de progresiones armónicas.

 

CAMBIOS ESTÌLISTICOS FORMA SONATA

 

Toda la música del período se vio influenciada por la evolución de la forma sonata, el gran orden arquitectónico del Clasicismo. Diseño instrumental de una gran expansión, en especial cuando fue expresado en el cuarteto de cuerdas y la sinfonía, fue la contribución característica al estilo musical del período (apareciendo en casi todos los tipos de música instrumental del período).

 

CÁMARA y ORQUESTA

 

Por otra parte, aunque entonces la música de cámara y la música orquestal ya eran independientes y cada una tenía sus metas artísticas y esferas diferentes, las formas y los recursos que los compositores del siglo XVII usaron fueron bastante similares. En cambio en el período Clásico, ambos estilos tienden cada vez más a separase y a adquirir personalidad propia (esto se puede apreciar en las obras maduras de Haydn y Mozart, pero resulta mucho más evidente Beethoven). PIANOEl cambio significativo del clavicémbalo por el piano moderno de martillos, fue otro factor importante en la conformación del estilo musical del Clasicismo, el cual trajo consigo unas posibilidades realzadas, de carácter rítmico y dinámico, para la expresión musical.

 

VARIOS MOVIMIENTOS y TEMAS CONTRASTANTES

 

Sobre la forma y el contenido, podemos decir que la sonata clásica presneta un gran cambio sobre su prototipo barroco. Aun consta de varios movimientos, pero muy raramente aparecen en el mismo tono, empleando una gran variedad de formas. La principal diferencia estriba en que su interés lineal, y el entretejido de la figuración motívica, se ve sustituída por una oposición dramática de estados anímicos, temas y tonalidades y por muchos desarrollos laterales de materiales temáticos reencontrados. Muy raramente la textura es polifónica (en el sentido de la progresión contrapuntística inninterrumpida), aunque todos los grandes maestros clásicos emplean de forma excepcional una técnica contrapuntística al manipular los materiales temáticos, en especial, en las secciones de desarrollo de sus creaciones para la forma sonata.

 

CUARTETO DE CUERDAS y ORQUESTA SINFÓNICA

 

El período clásico trajo consigo una norma de organización, que hasta entonces no se conocía, de la música de conjuntos instrumentales. Antes de la época de Haydn la línea de división entre la música de cámara y la orquesta no estaba claramente definida. (Con frecuencia, los ejecutantes doblaban las partes de las sonatas tríos, de forma que el resultado recordaba un poco el de una pequeña orquesta de cuerdas… y con frecuencia pequeños grupos tocaban piezas orquestales, como los concerti grossi, con el resultado de que recordaban a la música de cámara…) El instrumento de teclado, que proporcionaba la parte de continuo fue característica de toda la música para conjuntos. Pero la parte improvisada de continuo desapareció junto con el clavicémbalo, y la música de cámara, con cada parte escrita cuidadosamente para cada uno de los instrumentos, quedó establecida bajo la forma de tríos, cuartetos, quintetos, etc. En estos grupos se usaban diversos instrumentos: cuerdas, maderas, de vez en cuando el piano, pero la agrupación ``normal´´ de la música de cámara fue el cuarteto de cuerdas, con dos violines, viola y violoncello.

 

LA ORQUESTA SINFÓNICA

 

El principio orquestal de doblar las partes dio como resultado la orquesta sinfónica: agrupación de cuerdas, maderas, metales y percusión, que ha servido desde entonces (y hasta hoy!), como el gran conjunto instrumental ``normal´´. Para estas grandes agrupaciones (aunque sin llegar a adquirir las proporciones gigantescas de finales del siglo XIX), los compositores clásicos escribieron sinfonías y conciertos. La sinfonía recordaba a la sonata en su organización formal, y el concierto clásico fusionó este diseño con el principio del concierto solista barroco, aumentando la importancia de las posibilidades virtuosas del instrumento solista.

 

PROPORCIONES y EXPRESIVIDAD

 

En las obras orquestales, como la sinfonía y el concierto, hubo una evolución de los timbres que realzaron los contrastes dramáticos, aunque todavía no existía el timbre o color orquestal por su propio valor. El período muestra una tendencia en aumento en cuanto a la expansión de las proporciones, así como hacia la subjetividad y expresividad de toda la música instrumental. (tendencia que seguirá en aumento y hacia la misma dirección en el Romanticismo).

 

LA SINFONÍA CLÁSICA

 

Como regla general, podemos decir que la formas musicales evolucionan y maduran de forma muy lenta. El motete renacentista y la fuga instrumental del barroco fueron los resultados de largos períodos de experimentación. En cambio, en menos de medio siglo la sinfonía clásica no sólo quedó establecida y fue pefeccionada, sino que alcanzó tal nivel de culminación artística que no ha sido superada en toda la literatura musical.

 

GÉNEROS MUERTOS

 

La suite instrumental del barroco se vio sustituida por una forma de música de diversión conocida como divertimento, serenata o canción.Otros géneros como el oratorio y la pasión, creaciones típicas del barroco, decayeron notablemente tras la muerte de Bach…

 

RESUMEN DE CARACTERÍSTICAS CLAVE DEL ESTILO CLÁSICO:

(en contraposición a las del perído Barroco) -

 

CÁMARA y ORQUESTA (bien definidos) (CUARTETO DE CUERDAS y ORQUESTA SINFÓNICA)-

FORMA SONATA- LA SINFONÍA CLÁSICA- PIANO por clavicémbalo-

OBRAS DE DIMENSIONES MÁS GRANDES-

TEMAS CONTRASTANTES-

EXPRESIVIDAD EN AUMENTO-

GÉNEROS MUERTOS (del barroco)

 

COMPOSITORES QUE MEJOR REPRESENTAN DICHAS CARACTERÍSTICAS:

 

-Christoph von Gluck (1714-1787) -Alemán-

-Franz Joseph Haydn (1732-1809) –Austríaco-

-Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) –Austríaco-

-Ludwin Van Beethoven (1770-1827) –Alemán-

 

 

LA MÚSICA DEL SIGLO XX

 

La música es dirección. En el siglo XVII, aproximadamente esta direccionalidad empezó a consolidarse a partir de la relación entre combinaciones más o menos tensas entre sonidos.

 

Los acordes formados sobre esa estructura permitían un sistema en el que cada combinación posible de sonidos tenía una función con respecto a la nota fundamental, ya fuera de reposo o de tensión.

 

Los armónicos aparecen en un orden, teniendo mayor peso los primeros que se escuchan.

 

En la medida en que la simultaneidad se produce entre sonidos cuyos primeros armónicos son comunes o guardan afinidad (consonancia), este sincronismo, que dentro del sistema tonal se llama “acorde”, tiende al reposo.

 

Cuando no hay armónicos comunes entre los que aparecen primero en los sonidos concurrentes (disonancia) esta relación es más tensa y tiende al conflicto.

 

Este sistema llamado “tonalidad funcional”, fue precisado en el siglo XVIII, en pleno auge del Iluminismo, por el compositor y teórico frances Jean-Philippe Rameau, y establece toda una serie de jerarquías entre sonidos, dispuesta para que la sucesión de tensiones y reposos momentáneos conduzcan al reposo final y, sobre todo, para permitir la postergación y la dilación de ese reposo.

 

Esta cadena de postergaciones se haría más sutil, más compleja y elaborada a lo largo del siglo siguiente, hasta llegar a las puertas de su propia disolución. Es más, de alguna manera era la que le daba sentido al sistema.

 

El coqueteo entre la tensión y el reposo, el juego alrededor de la prueba progresivamente más osada acerca de cuánta acumulación de tensión podía soportar el sistema, solo podía desembocar, más tarde o más temprano, en la propia desintegración de ese sistema.

 

La otra confusión habitual es considerar la atonalidad sinónimo de disonancia. Si bien es cierto que, en sus comienzos, la ruptura de la tonalidad tuvo que ver con el uso intensivo de disonancias, y lo esencial no era que estas fueran utilizadas sino que obedecieran o no a una funcionalidad tonal.Si se piensa en ejemplos posibles de este siglo, una composición basada en los cambios de volumen y de timbre de una sola nota o incluso una obra estructurada sobre la ausencia de sonido (y la consecuente expectativa del oyente) no tendría ni una sola disonancia y, sin embargo, estarían lejos de obedecer a las leyes de la tonalidad.

 

El timbre, el ritmo, las densidades, la intensidad, las texturas, la interválica, formaron siempre parte del discurso musical.

 

Tanto como el color o las relaciones de equilibrio fueron siempre elementos de la pintura. Lo que cambia en este siglo es que esos elementos se independizan progresivamente, empiezan a tener un valor en sí mismos y comienzan a convertirse en ejes, variable sonora. Del color (Edgar Varése), del ritmo (Igor Stravinsky) o las relaciones entre intervalos despojados de otro sentido que el de ser intervalos en sí (Arnold Schoenberg, Alban Berg y, principalmente, Anton Webern).

 

Lo que sí existe, y esto no es culpa de la música, es una falta de frecuentación de los lenguajes musicales de este siglo. La comprensión de un lenguaje (y cuando se habla de comprensión no se hace referencia al dominio de las técnicas involucradas en un hecho estético sino a la posibilidad de disfrutarlo) necesita del conocimiento.

 

Los lenguajes electroacústicos y los retornos a instrumentos del pasado como el clave o la flauta dulce, la nueva simplicidad y la nueva complejidad, los idiomas más concientemente abstractos y la música de cine, las óperas y las anti-óperas a los compositores que desde las músicas populares llegaron a los lenguajes eruditos y a quienes hicieron el camino inverso, el nuevo género de la música popular para ser escuchada (éste sí una novedad absoluta del siglo, relacionada con la aparición de los medios masivos de comunicación, principalmente la radio y el disco), el minimalismo, el intento de pautación de todos los parámentros, la incorporación de la improvisación como recurso constructivo o la liberación de casi todos los parámetros en la música aleatoria.

 

De María. 2012.